Eu queria poder postar o mínimo de um álbum por semana aqui no blog, mas confesso que dependo de certa inspiração para poder fazer as resenhas. Tal inspiração requer tempo para ouvir os álbuns que posto aqui, e tempo é algo que não disponho muito. Entretanto, esta semana, parei para ouvir esta obra que apresento agora, e deparei com a necessidade de compartilhar a sensação agradável pela qual fui tomado.
Big Sleep foi um projeto da banda Eyes of Blue, que lançou outros dois álbuns no final da década de 1960. Este álbum conta com a mesma formação do Eyes of Blue, com exceção de Windham Rees que era outro baterista da banda.
A diferença fundamental, além do nome, é que o som está mais maduro, melhor delineado. Também é possível perceber que, naturalmente, há certo desprendimento da sonoridade de outrora, que era típica da década anterior, ou seja, o som está com uma roupagem mais moderna, em relação àquele período.
Aqui, os músicos mantém suas características com bastante entusiasmo, fato corroborado em cada composição que, aliás, são fantásticas, e contribuem bastante para o para a atuação deles.
Percebe-se em algumas faixas uma faceta mais simplória, tanto nas composições quanto na condução delas, o que dá a impressão de que foram concebidas em períodos distintos de inspiração. Entretanto o que se torna mais visível é, sem dúvida, o lado mais complexo da banda, cuja criatividade proporciona momentos magníficos. Na faixa Saint & Sceptic é notável a veia progressiva dos caras, que desponta num som complexo e glorioso, com violinos que trafegam livres nas entrelinhas e com um arranjo sensacional da bateria, que eclode vez ou outra nos momentos mais oportunos. Órgão e guitarra duelam, colorindo os tons e fantasiando as ondas sonoras. Fantástico!
Free Life é simplesmente genial, alucinante, "wishboneashiana". Não preciso dizer mais nada...
03 - Free Life
05 - Saint & Sceptic
MÚSICAS:
1. Death Of A Hope
2. Odd Song
3. Free Life
4. Aunty James
5. Saint & Sceptic
6. Bluebell Wood
7. Watching Love Grow
8. When The Sun Was Out
MÚSICOS:
Phil Ryan / organ, piano Ritchie Francis / bass, piano, vocals John "Pugwash" Weathers / drums, vocals Raymond "Taff" Williams / guitar Gary Pickford-Hopkins / vocals, guitar
Hoje, amanheci com a lembrança de meu velho pai me acordando (desesperado) no dia 11 de setembro de 2001. Ele gritava meu nome, me sacudia, me puxava..., mas eu estava pregado. Ele insistiu até que eu acordasse - entre o sono e o despertar, eu pensava: meu pai não quer acordar seu filho para bater papo furado ou para fazer um passeio matinal ou, sequer, para reclamar de novo da música que eu, insistentemente, ouvia, no último volume, na noite anterior; tinha que ser alguma coisa muito séria.
Lembro-me nitidamente da expressão que se apoderara do rosto de meu pai: algo que tangencia o horror; aquele velho homem estava apavorado. Também pudera, pois ele idolatrava, incondicionalmente, o poder dos americanos; era um apaixonado pela América - lembro-me que se fosse colocado Brasil X Estados Unidos, ele sempre se firmava em favor do último. Quem me conhece sabe muito bem disso, em função dos nomes que eu e um dos meus irmãos carregamos. Meu irmão nasceu em 1964 e eu, em 1968. E o nome que minhã irmã caçula herdaria, não fosse o casamento de certa celebridade americana com um milionário grego. Sim, este episódio impediu que minha irmã levasse o nome desta celebridade. Dados apresentados, não fica difícil adivinhar meu nome e o de meus dois irmãos citados. É risível, mas, também, dramático. Não que eu seja exatamente traumatizado pelo meu nome, mas quando discutia com meu velho pai, eu afirmava que se me fosse dado o poder de escolher, meu nome seria Fidel Castro - só pra fazer raiva nele. Depois de tanta insistência, decidi levantar e ver o que realmente tinha acontecido para justificar tamanha apreensão do meu velho.
Ainda antes, na cama, ele havia falado de um ataque aos EUA. Eu, que estava com sono e mal humorado, retrucara rebeldemente: "bem-feito"! Era o clássico sentimento anti-americano ecoando na expressão amarga de um jovem, cuja rebeldia o impedia de perceber a verdadeira dimensão do que acabara de dizer.
Quando cheguei em frente à tv, fiquei chocado com o que via. Parecia que eu estava assistindo a um filme de ficção. De repente, ocorreu o choque do segundo avião. Naquele momento me dei conta de que a coisa era muito mais séria do que eu e meu pai poderíamos imaginar. Ficamos tácitos e perplexos. Quando dei por mim, já não havia mais aquele clima de divergências políticas entre mim e ele; e ficamos ali, prostrados, diante daquilo que até então era inimaginável. Meu sentidos já não respondiam bem ao meu pensamento parco. Eu me sentia culpado pelo que dissera a ele, ainda na cama, mas logo fui tomado por uma tristeza tão grande, que nada mais importava. Algum tempo depois, o assunto ecoava nos corredores e salas de aula do CCMN da UFRJ. Os debates já não eram a tragédia em si, mas as consequências na geopolítica mundial. Os núcleos de Geografia Política, Geografia Econômica e Teoria da Geografia eram unânimes em suas opiniões a respeito do futuro do nosso planeta. Os saudosos professores Cláudio Egler e Paulo Cesar da Costa Gomes já anteciparam teorias, que mais tarde seriam disseminadas por repórteres e especialistas de toda parte, tais como: o 11 de Setembro é o divisor de águas do mundo moderno; o mundo será dividido em antes e depois do 11 de Setembro; o 11 de Setembro funda as novas diretrizes da geopolítica mundial.
Quando eu voltava a ver meu pai, já não falávamos no assunto. Ele tirava as conclusões dele, ouvindo os pronunciamentos de Bush na tv, e eu vivia com minha cabeça rodando, bombardeada com tantas informações oriundas dos "Caixotes do Saber" (como eu costumava me referir à Ilha do Fundão), que geravam cada vez mais inconclusões na minha "caixola". Eu vivia num mundo de debates sobre a legitimidade do terrorismo e sobre a retaliação do governo americano aos professores da Universidade de Harvard, por tentarem exprimir suas opiniões a repeito do terrorismo, que não eram nada favoráveis ao aos EUA.
Meu querido pai vivia em seu mundo, assimilando tudo que era favorável aos americanos, e descartava quaisquer possibilidades contrárias, sem fazer questionamentos. Era algo quase que religioso, nada abalava sua fé nos americanos. E eu, continuava com os miolos fritando, cada vez mais, em minhas vãs tentativas de tentar entender os motivos daquilo tudo. Com a invasão do Afeganistão já a passos largos, eu me perguntava: se a guerra declarada é legítima, aceitável, por que o terrorismo é tratado como marginal, como terror? E, ao mesmo tempo, ia surgindo a ideia de que eu era um tolo em me preocupar tanto com aquilo tudo, pois o mundo continuaria o mesmo... Hoje, muito tempo depois, o mundo continua o mesmo. Continuam as guerras e o terrorismo, mas meu velho pai já não faz mais parte do meu mundo. Já não pode ver a que ponto chegamos após tanto tempo; em tempos em que se concluiu que os motivos dos ataques terroristas foram baseados na fatwa declarada em 1998; e que os terroristas gastaram em torno de 500 mil dólares para a realização do ataque; e que mataram mais de 3.000 pessoas. Se ele estivesse aqui, e eu dissesse a ele que só no Afeganistão morreram mais de 30.000, com gastos superiores a 400 bilhões de dólares, e no Iraque, mais de 150.000 mortos, ele diria que os americanos estavam no seu direito, ou coisa do tipo: quem mandou cutucar onça com vara curta? Coisa parecida com o pronunciamento do embaixador americano Ryan Crocker, em Cabul, dez anos após a tragédia: "...Estamos aqui para que nunca haja um outro 11 de Setembro vindo do solo afegão." Diante disso, eu perguntaria pro meu velho pai se ele acha que é legítimo matar mais de 30.000 só pra se previnir... Hoje, pouco mais de dez anos após essa tragédia, meu pai já não está mais aqui. Já não pode mais reclamar do meu som, do meu rock'n roll que ecoa pelos ares em busca de uma reação dele... Não viveu o bastante para poder debater comigo os saldos desse episódio. Se ele estivesse aqui, eu tenho certeza que ficaríamos novamente tácitos e perplexos, diante do quadro atual, pois a conclusão disso tudo é que a tragédia real não foi o 11 de Setembro; que a verdadeira trajédia perdura até hoje; e é a tragédia humana, da vergonha humana, da intolerância humana; que o saldo é tragicamente negativo, pois já são em torno de 200.000 mortos - independendo se os motivos foram a fatwa, vingança ou prevenção; se os mortos foram americanos, iraquianos, afegãos, estrangeiros, soldados ou civis; o fato é que eram todos humanos e inocentes, pois os culpados foram os que engendraram tudo isso, os "senhores da guerra" que assistem tudo à distância. Hoje, quando acordei, coloquei aquela música - imaginando a voz de meu pai reclamando -, aquela que eu ouvia no último volume, na noite anterior ao 11 de Setembro: Masters of War, de Bob Dylan, na solene interpretação de Eddie Vedder. Masters of War
O rock possui facetas incrivelmente variadas, caminhando por terrenos diversificados; misturas eletrizantes configuram um cenário apaixonante, principalmente no período que corresponde ao final da década de 1960, estendendo-se até ao final da década de 1970. Eu e meu grande amigo "Cabelinho" esboçamos uma louca teoria para tentar entender este fértil período, traçando uma trajetória da história da música, englobando todos os estilos, mas tendo como foco o rock e a MPB. Tudo surgiu a partir da ideia de tentar entender como se deu o processo de enriquecimento da arte musical dessa fase de ouro, resultando no que nomeamosProjeto Hofmann & Stoll (o que inspirou o nome deste blog). Nosso grande amigo Diegão juntou-se a nós e começamos a formular os mais loucos possíveis motivos que teriam dado origem à tamanha criatividade aflorada dentre os artistas daquela época. Portanto, após inúmeras sugestões, focamo-nos em duas principais teorias: - a primeira foi que Deus lançou no ar uma espécie de purpurina que contaminou os artistas do mundo todo com uma dose excessiva de criatividade, o que explicaria a grande quantidade de álbuns magníficos que surgiram durante todo o período; - a segunda, foi que, se Deus não existe, então a causa mais provável teria sido uma porção mágica criada por Hofmann e Stoll, o LSD.Albert Hofmann e Arthur Stoll eram químicos suíços, que em 1938, sintetizaram o LSD para fins medicinais...e, a partir daí, creio que todos saibam o desfecho. No decorrer deste período, surgiu essa banda sensacional que, sem dúvida alguma, foi totalmente tomada por tal magia, quer seja entorpecente ou divina. Com estilo notadamente distinto dos dois primeiros álbuns, apresentando um hard rock, eu diria, mais ameno, um tanto mais sóbrio - sem, no entanto, perder a essência, a ousadia -, acertaram na veia, apresentando uma atmosfera mais melodiosa e apelando mais para músicas embebidas em refrões - sem que isso comprometesse a qualidade, pois nesse quesito eles eram magnificamente criativos. Esta mudança coincidiu com a entrada de um novo integrante no grupo, o genial e tremendamente melodioso guitarrista Michael Schenker (ex Scorpions). Assim como os magníficos refrões, os solos de Schenker têm o dom tocar com a alma, o que lhe conferiu, além de tremenda versatilidade, incríveis toques de sensibilidade, com frases musicais que percorrem uma linha muito consistente e consciente; fato este, em que facilmente pode-se emprestar-lhe a designação de grande guitarrista. Entretanto, na minha opinião, o grande nome da banda é o vocalista Phil Mogg. Este cara, além de belíssima voz, trazia em sua bagagem algo um tanto difícil de descrever, visto que é de ordem sentimental, portanto muito subjetivo. É como se sua voz, depois de gerada por vibrações das cordas vocais, passasse por uma espécie de catalisador que estimula, que confere algo além de um simples som agradável, além do cogniscível; é algo que sustenta rara beleza - independente do significado puro e simples da linguagem intelectual, cantada -, que transcende; é a personificação da linguagem sonora, que é universal, independente de significados diretos. A literatura geral trata deste álbum, citando sempre as faixas Doctor Doctor e Rock Bottom como as principais, portanto, para expressar minhas considerações sobre a banda, sobre o vocalista, destaco as faixas Crystal Light e Queen Of The Deep, mas, por todo o álbum, creio que seja de fácil percepção. Ressalto que tudo parece depender do contexto que expus acima, ou seja, toda expressão de sensibilidade que se dá, de Michael Schenker, de Phil Mogg e de todo o conjunto, são em função do milagre sessenta setentista; sempre um em função do outro, dentro deste contexto; e repito: quer seja um milagre entorpecente ou divino. Ou não!
02-Crystal Light
10-Queen of the Deep
MÚSICOS:
-Phil Mogg - Vocais -Andy Parker - Bateria -Michael Schenker - Guitarra -Pete Way - Baixo
MÚSICAS:
1- Oh My
2- Crystal Light
3- Doctor Doctor
4- Space Child
5- Rock Bottom
6- Too Young To Know
7- Time On My Hand
8- Built For Comfort
9- Lipstick Traces 10- Queen of the Deep
Eis mais uma sensacional banda alemã, com um raro álbum de música progressiva de qualidades fantásticas. O vocal transmite certo quê de folclórico, e, assim como o instrumental, uma agradável dose de melancolia. Tem o instrumental muito peculiar, proporcionando viagens "espaciais" alucinantes ao som de guitarra, baixo e órgão muito competentes. As composições são belíssimas e muito requintadas, com momentos mágicos que nos dão a sensação de instantes bastante familiares, porém muito esquivos. Mais um daqueles raros álbuns que apesar de já terem ultrapassado os meados da década de 1970, mantiveram as raízes fincadas no início dela, no que se refere à atmosfera sonora e aos arranjos, principalmente os de bateria.
Um destaque especial para as duas primeiras faixas, pois encontramos um arranjo de bateria um tanto incomum. As batidas são extremamente exageradas, ou melhor, magnificamente exageradas. O baterista foi muito feliz em fazer parte desta banda, pois teve a oportunidade de realmente mostrar seu trabalho, de forma destacada. Não que isso faça dele o melhor do seu tempo - pois havia centenas de exímios bateristas contemporâneos a ele -, apenas foi uma feliz opção da banda dar tanto destaque a este magnífico instrumento; e ele correspondeu, mostrando do que era capaz.
Quando falo de exagero, não me refiro a solos em que só é tocado este instrumento, ou seja, sem acompanhamento de nenhum outro, daqueles longos que são muito comuns no rock e no jazz - e que, por muitas vezes, são muito chatos, principalmente quando interrompem e atrapalham o bom andamento das músicas. Falo de uma bateria disposta de forma extremamente destacada dentro da música, como se solasse dentre a execução dos outros instrumentos; não como mero instrumento de acompanhamento, mas como um que ultrapassa os limites da "cozinha", adentrando pela "sala", e é recebido com muito mais respeito, e muito bem colocado. Esta façanha é claramente proporcionada, principalmente, pela ótima mixagem que permite ênfase da bateria nos momentos mais oportunos.
Este tipo de arranjo de bateria assemelha-se aos que eram feitos pela banda Eloy, porém, na segunda faixa, a coisa é um pouco mais intensa, e o timbre usado pelo baterista é um tanto distinto. É realmente uma coisa fantástica.
Nesta minha resenha, quase não se percebe minha apologia exacerbada à bateria, eheh!
01 - She
02 - Battle Rock
MÚSICAS:
1-She
2-Battle Rock
3-Chromatik
4-Festival
5-Sinclair
6-Choke
MÚSICOS:
Elmar Wegmann / guitar, flute, vocals
Klaus Pannewig / drums, glocken, vocals
Wilhelm Weischer / bass
Peter Savelsberg / organ, mellotron, and e-piano
No More Shall We Part derramou intensos debates no mundo da música, no que se refere à crítica musical, pois Nick Cave traz em sua bagagem uma gama de inovações sonoras que, definitivamente, agrada apenas a poucos. Suas viagens musicais tendem a inovações sonoras um tanto, eu diria, inimagináveis. Não segue nenhuma tendência, estando sempre na contramão do contexto comercial.
Nick Cave me chamou atenção - além de sua genialidade - por ser um artista que desafia o óbvio - assim como fez Bob Dylan em seu tempo, quando todos pareciam contra o rumo que ele escolheu para sua arte. Dylan passou por cima de tudo, de todos os preconceitos, por amor a sua arte; a que ele escolheu, e não a que queriam pra ele.
Há em Cave uma louca alusão a Jim Morrison e Lou Reed, referenteà forma de cantar. Em suas longas e letárgicas letras, "quase" não consegue tempo para encaixar as frases nos acordes. É algo realmente encantador e desafiador, e soa tão divinamente bem, que talvez nem mesmo Dylan fosse capaz de cumprir tão bem tal façanha. Bons exemplos são as faixas God in the House e Hallelujah. Ele utiliza-se do estilo de canto falado de Lou Reed a fim de ser bem sucedido nesta difícil tarefa, para logo em seguida, terminar cada frase musical com melodias sublimes, de forma às vezes singela; em outras, sombria e melancólica.
Há neste álbum a colocação da bateria com timbres, em que se duvida que foi concebido no ano 2001; fato que ocorre principalmente nas faixas mórbidas e magníficas Fiffteen Feet Pure White Snow, Oh my Lord e na surpreendente Sorrowful Wife, que inicia com o sinistro e calmo vocal de Cave intercalando com seu melódico e melancólico piano, e, de repente, torna-se avassaladora; uma porrada maravilhosa que lembra o estilo agressivo da faixa The Nile Song do álbum More do Pink Floyd, remetendo-nos maravilhosamente bem ao bom e velho rock'n roll setentista; uma verdadeira descarga de sentimentos expressos na mais bela das artes.
O álbum também conta com canções de instrumental simplório, soando até aparentemente como músicas inocentes, mas é também aí que ocorre o inusitado no trabalho deste artista inquieto e inquietante. Sua inseparável e competente banda The Bad Seeds o acompanha, música por música, dosando precisamenate o instrumental para que se enquadre às propostas musicais e existenciais de Cave, com suas letras sinceras, dramáticas e macabras, e suas melodias poderosas e tenebrosas, quase fúnebres.
Para finalizar as vãs tentativas de traduzir em palavras, este álbum riquíssimo em todos os campos que a música pode permitir, deixarei parte das palavras de Nick Hornby:
"No More Shall We Part, assim como muito do trabalho de Nick Cave, é algumas vezes tão relutante em agradar e tão exigente de sua atenção, quanto uma criança pequena. E isso ainda pode explicar porque é um alívio entrar em seu mundo asfixiante, ocasionalmente exaustivo. Em uma época em que até mesmo o mais intimidador hip hop ou heavy metal parecem desenhados para nos vender algo - um filme, uma partida de luta livre ou um estilo de vida - a música de Cave não parece remotamente interessada em vender nada. Isto é, uma música feita por um artista, nos moldes antigos, no senso do século XX. Não vai fazer cave ganhar um monte de dinheiro, mas é a música dele, e nossa, se nós quisermos que ela o seja, e pela qual nós devemos ser gratos."
Aproveito a repostagem deste álbum, para acrescentar mais uma música para audição on line: Sorrow's Child. Ela é originária do álbum The Good Son, e está aqui porque foi a primeira que ouvi de Cave. Lembro-me que foi em certa manhã de domingo, na extinta e saudosa rádio Tribuna, de Petrópolis. Fiquei fascinado com a voz de Cave. Desde o primeiro instante eu percebi que havia grandeza por trás daquilo: uma voz forte, estranha e triste, num visível esforço para se integrar à suave, belíssima e encantadora melodia da composição. E a certeza de que eu não estava enganado, foi com o desfecho da música: o final, com quase dois minutos de um instrumental triunfante. O magnífico piano de Cave é perseguido por uma orquestração lírica, quase triste, formando um conjunto que perpetua uma melodia que emociona e encanta a alma. 03 - Sorrow's Child 09-The Sorrowful Wife (aconselho que ouçam até o 3º min, puro veneno!)
O cenário da música progressiva da década de 1970 foi recheado de bandas que praticamente seguiam, como fosse regra, a tendência de faixas extremamente longas, normalmente ultrapassando oito ou dez minutos, quando não, ultrapassavam os vinte. Ou até mesmo compunham uma única peça que tomava um lado inteiro do vinil, ou os dois. Este fato é um grande atrativo para os amantes do progressivo; e eu confesso que sou um desses amantes que consideram as longas faixas como uma maravilha da música progressiva. Tanto que muitas vezes já deixei passar em branco diversos álbuns que continham apenas faixas pequenas. Confesso que algumas vezes me arrependi, em momentos posteriores, ao perceber alguns álbuns muito significativos, verdadeiras pérolas, que eu havia deixado pra trás. O presente álbum é uma dessas pérolas.
Das sete faixas desta obra, apenas uma ultrapassa os oito minutos, e das restantes nenhuma chega aos seis.
Eu diria ser surpreendente que L'Angelo, uma das mais belas músicas é a menor, e ela mal passa dos três minutos. Pois é, e não é daquelas que nos deixa com a nítida sensação de perda; ela é perfeitamente ajustada e belissimamente satisfatória.
Samandhi foi o que podemos chamar de super grupo, pois sua formação consiste numa reunião de músicos renomados, oriundos de bandas também renomadas do cenário progressivo italiano, tais como: L'Uovo Di Colombo e Raccomandata Con Ricevuta Di Ritorno Os integrantes conseguiram transmitir uma atmosfera muito agradável nas composições, cujas melodias fluem soltas e suaves. Os arranjos tomam corpo de forma clara, sem extremismos e exageros, compondo assim um belo conjunto.
Na última e grande faixa do álbum, a coisa toda muda de figura. Eis que surge algo como que um lobo destacado da matilha, forte e independente, uivando com toda sua fúria, num invólucro de temas fúnebres. Nas primeiras audições, pode soar um tanto estranho, algo difícil de degustar, mas aos poucos se percebe a natureza cheia de lirismo da melodia como um todo. Instrumental fantástico por toda a faixa, e, ao final, um glorioso coral repetindo por diversas vezes uma melodia encantadora, tudo na companhia da orquestração divinamente bem colocada. Na deliciosa faixa Fantasia, deparamo-nos com o interessante fato de sermos remetidos a algo bastante familiar para os brasileiros: o "Tema da Vitória para Ayrton Senna". Me arrisco a dizer que alguém andou "fantasiando" a música do Samandhi quando compôs este tema. Ou não!
Como não bastasse sua atuação no Blow by Blow, no ano seguinte Jeff Beck retorna com mais uma obra impecável.
Em Wired ele se repete, mas em genialidade e versatilidade. Mais uma vez, demonstra sua incrível capacidade de reunir, em torno de si, músicos do mais alto gabarito, o que ajuda a tornar seu som uma extraordinária vigem musical. É o resultado de quem tem compromisso apenas com a máxima qualidade musical, o que lhe permitiu gerar uma sonoridade ímpar, daquelas que ao primeiro acorde já se destina um nome ao autor.
Como continuação de minha homenagem, dedico a todos uma fantástica experiência ao som de Goodbye Pork Pie Hat. Uma releitura gabaritada do clássico de Charles Mingus, onde Beck desenvolve uma linha de diferenciadas distorções em sua guitarra, experimentando, como poucos, as fantásticas variações deste instrumento. Em cada toque, percebe-se sua grandeza em versatilidade e sua natureza melódica - o cara tem a incrível capacidade de desconstruir uma melodia, de tal forma a multiplicá-la, ao ponto de poder assinar por ela.
Quanto aos músicos que o acompanham aqui, são fantásticos, porém quero citar a atuação do baixista Wilbur Bascomb, que, por vezes, quase rouba a cena. Glorioso!
Deixo também para o deleite dos amantes da boa música, a faixa Love is Green. Uma composição que coloca Narada Michael Walden no patamar dos grandes compositores.
03- Goodbye Pork Pie Hat
08- Love Is Green
MÚSICAS: 01. Led Boots (Max Middleton) 02. Come Dancing (Narada Michael Walden) 03. Goodbye Pork Pie Hat (Charles Mingus) 04. Head For Backstage Pass (Wilbur Bascomb, Andi Clark) 05. Blue Wind (Jan Hammer) 06. Sophie (Narada Michael Walden) 07. Play With Me (Narada Michael Walden) 08. Love Is Green (Narada Michael Walden) MÚSICOS: - Jeff Beck - all guitars - Max Middleton - clavinette, Fender Rhodes piano - Jan Hammer - synthesizer, drums (05), producer (05) - Wilbur Bascomb - bass - Narada Michael Walden - drums (01,02,06,07), piano (08) - Richard Bailey - drums (03,04) - Ed Greene - second drum kit (02) - George Martin - producer
Com esta postagem quero fazer uma homenagem a este músico incrível, deixando um registro para representar minha gratidão ao estilo singular que ele desenvolveu ao longo de três décadas.
Escolhi o álbum Blow by Blow como símbolo representativo, pois por sua magnitude musical e pela simbiose que foi gerada entre mim e esta obra fantástica, desde a primeira vez que a ouvi.
Este álbum surgiu em um momento intenso de descobertas musicais, em minhas buscas infindas e desenfreadas por sonoridades diversas das que se apresentavam em minha mísera discoteca de então.
Blow by Blow é uma obra desenvolvida com audácia e desenvoltura, livre de rótulos ou contextos taxativos. Não há limites claros para o alcance que esta obra pode atingir; é algo que transcende, e que talvez só possa ser alcançado numa intensa conexão entre ela, a obra, e um mágico momento do ouvinte, tudo permitido pela maestria do artista apreendedor, ele: Jeff Beck.
Exagero de minha parte? Sim, talvez, mas basta que se permita ouvir Diamond Dust, por exemplo, para se ter uma ideia do que estou tentando dizer. Deparamo-nos aqui com uma música que qualifica, dignifica a arte musical. São acordes sucessivos de beleza extrema. É como se a música tivesse alma, tivesse voz, e seu tema principal fosse a beleza da tristeza, ou vice-versa. O arranjo é impecável e encantador, sério e imortal, clássico, lírico e dramático. Eu não poderia deixar de citar a atuação de Max Middleton na música em qustão. Desde os primeiros acordes, o cara nos envolve (a ponto de confundir a cabeça - se ouvirmos a música com fone) com uma performance fantástica. Além dele, faz-se extremamente necessário citar o baterista, que nos presenteia, mais para o final da faixa, com rara demonstração de harmonia, com notável habilidade, pertinentes toques de sutileza e grandiosidade, numa fantástica demonstração de como ser perfeitamente harmônico com batidas tão "descadenciadas". Nunca ouvi nada parecido e tão perfeito.
Como disse outrora, esta é minha homenagem.
Fiquem em paz ao som de Diamond Dust:
09 - Diamond Dust
MÚSICAS: 01. You Know What I Mean (J.Beck/M.Middleton) – 4:06 02. She's A Woman (J.Lennon/P.McCartney) – 4:31 03. Constipated Duck (J.Beck) – 2:48 04. Air Blower (J.Beck/M.Middleton/R.Bailey/P.Chenn) – 5:09 05. Scatterbrain (J.Beck/M.Middleton) – 5:37 06. Cause We've Ended As Lovers (S.Wonder) – 5:42 07. Thelonius (S.Wonder) – 3:17 08. Freeway Jam (M.Middleton) – 4:58 09. Diamond Dust (B.Holland) – 8:25
MÚSICOS: - Jeff Beck - guitars - Max Middleton - keyboards - Phil Chenn - bass - Richard Bailey - drums, percussion Producer – George Martin Arranged By [Orchestra] – George Martin Engineer – Denim Bridges Recorded at AIR Studios, London.
